Au Lab, elle décompose les problèmes complexes grâce à une méthodologie rigoureuse développée avec l’UCLouvain. On y découvre l’importance des profils de co-créativité et pourquoi le choix du papier l’emporte sur le digital pour libérer la pensée.

Un échange passionnant sur l'art de guider sans imposer, et sur la conviction profonde que si personne n'est parfait, une équipe, elle, peut l'être.

On parle aussi de :

• La différence entre divergence (ouvrir les idées) et convergence (trancher).
• Les profils de co-créativité : identifier son rôle pour mieux collaborer.
• Pourquoi la contrainte et les canevas physiques libèrent la création.
• Le doute comme moteur de remise en question et de justesse.

Un épisode sur l'humain, la structure et la magie qui opère quand on ose confronter nos points de vue.

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Au cœur du VO Lab, elle orchestre des cadres où l’intuition devient une méthode. Pour elle, la créativité n'est pas un don mystérieux réservé à une élite, mais un muscle qui se travaille grâce à une structure précise. Son approche ? Se décentrer de son propre ego pour mieux créer avec, et pour, les autres.

On parle aussi de :

• la CSR comme moteur de changement culturel
• le « Blueprint » pour guider le cerveau entre idéation et réalisme
• l'influence de l'atmosphère et de la marche sur nos idées
• l’importance de rester hydraté et curieux du monde qui nous entoure

Un épisode sur l'effervescence collective, la rigueur du cadre et la curiosité comme boussole. Pour tous ceux qui veulent faire éclore des idées là où on ne les attend pas.

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Fabian n'est pas un créatif comme les autres. Executive Creative Director chez VO Event, il incarne cette nouvelle génération qui refuse de choisir entre stratégie et création. Son parcours ? Atypique.

Ce qui frappe d'abord chez Fabian, c'est sa méthode. Là où certains créatifs plongent tête la première dans l'idéation, lui commence toujours par une phase analytique. Comprendre le client, décortiquer les enjeux, identifier ce qui fait vraiment sens.

Fabian parle de cette tension permanente entre l'ambition créative et les contraintes réelles - budget, timing, faisabilité technique. Comment faire atterrir un client de la Lune quand le budget permet à peine un décollage ? C'est tout l'art de son métier : garder l'audace tout en restant ancré dans le réel.

Son lieu d'inspiration préféré ? Pas un bureau design ou un café branché, mais la nature. Marcher au calme, loin du bruit, pour laisser les idées émerger naturellement. Et sa boisson créative du moment ? Le saké. Parce que pourquoi pas.

Un épisode qui prouve que derrière chaque grand événement, chaque campagne mémorable, il y a des équipes qui jonglent quotidiennement entre rêve et pragmatisme. Et qui, comme Fabian, continuent de croire que la créativité peut changer la donne, à condition de rester au service du message.

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Avec BIGEYES | Studio de communication visuelle 360°, elle accompagne des marques engagées, souvent niches, qui résonnent avec sa sensibilité. Pas de match artistique ? Pas de collaboration. L’alignement n’est pas négociable.

En parallèle, son travail artistique explore la mémoire, l’ombre, l’intime. Sa série 99 Nuits questionne les traumas transgénérationnels hérités de l’après-guerre en Belgique. Un projet personnel intense, accompagné par un travail thérapeutique, et bientôt un livre en préparation.

On parle aussi de :

• solitude et besoin de collectif dans la vie d’indépendante
• perfectionnisme et héritage familial militaire
• intuition vs organisation
• ralentir dans une société obsédée par la vitesse
• créer sans attente pour se reconnecter à son propre artiste

Un épisode sur l’exigence, la lenteur, la profondeur. Et sur le fait d’oser prendre sa place, même quand on se cherche encore un peu.

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Dans cet épisode, on parle d’un sujet qu’on vit toustes : les contraintes. Est-ce qu'elles freinent vraiment la créativité ? 

On partage nos expériences très concrètes :

• tourner une campagne entière en point of view qui limite certaines prises
• écrire des briefings ultra-cadrés, parfois trop
• organiser des événements avec peu de moyens mais beaucoup d’intention
• naviguer entre liberté créative et cadre client

On parle aussi d’équilibre. Trop peu de cadre, c’est l’angoisse. Trop de cadre, c’est l’exécution pure. Entre les deux, il y a un espace intéressant : un terrain de jeu. Et si on arrêtait de voir la contrainte comme un frein, pour la voir comme une architecture ? Un espace sûr dans lequel les idées peuvent vraiment bouger.

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Et venez nous dire : vous êtes team page blanche ou team terrain de jeu ?

Carl raconte la naissance de ses différentes identités : Carl, CASH, Art by CASH, comme des outils pour explorer, se protéger parfois, et dépasser le syndrome de l’imposteur.

On aborde le rapport aux réseaux sociaux, le fait de fragmenter ou non ses comptes, la fatigue de produire par peur, et ce moment clé où ralentir a paradoxalement fait grandir sa visibilité.

Quelques fun facts sur Carl :

• son art : éclectique
• outil indispensable : lunettes
• et une confession qui marque : il a arrêté d’écouter de la musique pendant des années, volontairement, pour ne pas se couper de sa voix intérieure.

Un épisode sur l’identité, le doute comme moteur, et la liberté de ne pas choisir une seule case. Découvrez son univers sur sa page Instagram : https://www.instagram.com/carlcashknight/

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Après avoir discuté avec Ruben Voka et Jeanne, Ioana et Amandine prennent un moment pour revenir sur ce qui les a marquées : des parcours non linéaires, des façons très différentes de créer, mais des questions communes autour du temps, de l’énergie et de l’écoute de soi.

On parle de création comme quelque chose qui se travaille, mais aussi qui a besoin de pauses. De ces moments où on ne produit pas, mais où tout se recharge. De la différence entre créer pour soi et créer pour un client. Du rapport au détail, au perfectionnisme, au premier jet imparfait.

Ressources & liens

Découvres les parcours de nos invités :
– Ruben Voka 
– Jeanne

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Un épisode à écouter sans prise de notes !

Jeanne partage son parcours hors du corporate et son choix d’une vie faite de projets multiples. Elle parle de rythme, d’énergie, et de la manière dont elle organise son temps autour de ce qui compte vraiment : créer quand l’idée est là, pas quand l’agenda l’exige.

La discussion aborde aussi la place des réseaux sociaux : nécessaires pour certaines pratiques comme le tatouage, plus complexes quand il s’agit de projets intimes. Jeanne explique comment elle distingue vitrine professionnelle et espace personnel, et pourquoi créer 'pour poster' peut devenir un piège.

On parle de doute, de fatigue, de tentations d’abandon, mais aussi de choix assumés : préférer une vie moins confortable à une vie plus simple mais déconnectée de ses valeurs. Elle partage également une méthode clé de son processus : séparer production et édition pour ne pas bloquer l’élan créatif.

L’épisode se termine par une série de réponses rapides qui donnent un aperçu de son univers sensible : sons, mots, odeurs, sans tout dévoiler.

Ressources & liens

• Formation en ligne : Udemy
• Principe créatif évoqué : séparer production et édition
• Musique citée : Becky and the Birds – I made my baby cry

Suivre le travail de Jeanne

• Tattoo artist : https://www.instagram.com/janeinafewlines/ 
• Projet artistique (poèmes animés) : https://www.instagram.com/janeinafewwords/
• Site web : https://www.amjane.be/

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Un épisode pour celles et ceux qui créent beaucoup, doutent souvent, et continuent quand même.

La discussion s’ouvre sur le Rococo, avec son exubérance, son goût du détail et son esthétique ornementale. Amandine partage son attrait pour cette richesse visuelle, en contraste avec le minimalisme dominant, et observe un retour encore discret du maximalisme dans la mode, la décoration et l’architecture. Palettes poudrées, dorures, velours, drapés et références au film Marie-Antoinette de Sofia Coppola traversent l’échange.

Les années 80 sont ensuite abordées à travers la musique, le design graphique et la culture nocturne. Ioana évoque l’importance de la couleur, l’arrivée du néon, les pochettes de vinyles, le rythme urbain et le retour actuel de certaines esthétiques 80s, notamment via les séries, la musique et l’intérêt renouvelé pour l’analogique.

Les années 70 occupent également une place centrale, associées à la liberté, à la rébellion, au craft et aux motifs psychédéliques. Le mobilier, les objets, l’architecture intérieure et les couleurs chaudes deviennent des références fortes, en lien avec le mouvement hippie et les débuts du pop art.

Enfin, les débuts des années 2000 sont évoqués sous l’angle de la nostalgie générationnelle. Une période de transition entre analogique et digital, marquée par les gadgets, les premiers téléphones, les jeux portables, les textures brillantes et les couleurs primaires, qui continue d’influencer la mode et la culture visuelle actuelle.

L’épisode questionne aussi la notion de nostalgie, la différence entre passé vécu et passé fantasmé, ainsi que notre rapport contemporain à l’optimisation, à l’espace et aux contraintes économiques. Sans ambition académique, la discussion invite surtout à observer, piocher et comprendre ce que ces références disent de nos pratiques créatives aujourd’hui.

Ressources et inspirations

Film : Marie-Antoinette – Sofia Coppola
Séries / culture pop : Stranger Things
Objets cultes : vinyles, Game Boy, Walkman, Discman, Tamagotchi
Esthétiques évoquées : Rococo, années 70, années 80, début des années 2000
Thèmes clés : cycles créatifs, maximalisme, couleur, analogique vs digital

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Partagez les périodes qui vous inspirent et vos références visuelles du moment. Les cycles continuent, la conversation aussi.

L’épisode explore une tension centrale :

celle entre le graphisme, pensé comme un outil de communication soumis à des contraintes de temps, de rentabilité et d’efficacité, et l’illustration, plus intime, émotionnelle et liée à une patte personnelle. Phil explique pourquoi on ne vient pas chercher la même chose dans ces deux pratiques, ni les mêmes réponses, ni les mêmes engagements.

La discussion aborde aussi la réalité du métier de freelance : la compétition, le rapport aux agences, les questions de reconnaissance et de crédit, ainsi qu’un flop professionnel marquant qui lui a permis de mieux comprendre les règles implicites du secteur et de défendre son travail avec plus de justesse.

Et bien plus ! Écoutez cet épisode pour découvrir les coulisses du travail de Phil.

Ressources et inspirations

• Livre : La Volvo blanche et Spa d’Eric Iwicz
• Artiste : Eiichirō Oda
• Série : The Big O
• Outils : crayon, papier, porte-mine
• Conseil clé : bien s’entourer et apprendre à déléguer
   

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Partagez vos questions, vos réflexions et les sujets que vous aimeriez voir abordés dans les prochains épisodes.

L’épisode explore deux trajectoires différentes mais complémentaires :

• celle d’Amandine, entre formation pluridisciplinaire, agences, marque, puis freelance, avec une créativité intuitive nourrie par l’expérimentation, la vidéo et l’écriture ;
• celle d’Ioana, marquée par un premier déclic très jeune, un passage par le droit et la tech, puis la recherche sur la créativité, avant de créer des cadres et des communautés au service des processus créatifs.

Au fil de la discussion, elles abordent des thèmes centraux du podcast : la légitimité, le syndrome de l’imposteur, la place du doute, le rapport à l’échec, l’importance des contraintes, et cette idée que la créativité n’est ni un don, ni une posture figée, mais une pratique qui évolue. Elles questionnent aussi leurs différences de fonctionnement : intuition vs analyse, instinct vs système, page blanche vs cadre.

L’épisode revient également sur leur rencontre : un blind date amical, et sur la naissance très organique de The Creative Type, avant de se projeter vers la suite : les personnes qu’elles rêveraient d’inviter, les disciplines qu’elles souhaitent explorer, et les conversations qu’elles veulent ouvrir.

Un épisode plus personnel, qui pose les bases humaines du podcast et rappelle une chose essentielle : il n’existe pas une seule manière d’être créatif·ve, mais une pluralité de chemins, de rythmes et de sensibilités.

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La discussion aborde les coulisses du travail créatif : les processus, les doutes, les émotions, les essais ratés, les différentes manières de fonctionner selon les personnalités. L’épisode pose aussi une idée centrale du podcast : il n’existe pas une seule façon d’être créatif·ve, mais une multitude de rythmes et de sensibilités.

La structure de The Creative Type :

• des conversations à deux autour de sujets liés à la créativité,
• des interviews de créatifs et créatives issus de disciplines variées (musique, design, direction artistique, mode, etc.),
• un épisode de débrief mensuel pour prendre du recul et partager des enseignements concrets.

Loin des récits de réussite formatés, le podcast veut mettre en lumière des humains réels, avec leurs parcours, leurs contradictions et leurs façons singulières de créer. Un espace de discussion pour celles et ceux qui travaillent déjà dans les métiers créatifs, mais aussi pour celles et ceux qui doutent, qui commencent, ou qui pensent ne “pas être créatifs”

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